小氣分分 |標準字設計 – 苗栗店仔藝穗節

感謝「EX – 亞洲劇團」委託

節慶的標準字,其實與品牌標準字十分相近,以長期使用考量,需達到文字的易辨、易視性,同時能夠聯想到當地特色。

小氣分分

標準字設計 – 苗栗店仔藝穗節

文:小氣分分

「柴米油鹽可以回甘,街市中的藝術可以回味。」

苗栗店仔藝穗節是苗栗縣政府文化觀光局主辦的特色節慶,結合店家的非典型空間與小型演出,逐年打造城市的新名片。

作為節慶的標準字,其實與品牌標準字十分相近,以長期使用考量,需達到文字的易辨、易視性,同時能夠聯想到當地特色。

因此產生三項設計目標:

  • 筆劃較多的漢字,如「藝」、「穗」適度簡化。
  • 尋找苗栗的通用元素,置入到筆劃當中。讓觀看者一眼識別,感受到品牌形象。
  • 字型整體比例平衡,直式、橫式、階式,以及不同比例縮放,皆能維持穩重優雅。同時也易與各種使用場景搭配。


因此以山水、茶葉、稻穗、飛鳥之形入字,並適度簡化部分筆畫。表現苗栗地區在自然環抱中的生活風格。

線條以雅,頓挫以韻。設計風格考慮介面協調性,標準字主體以及局部符號,都能融入文宣品、周邊商品設計之中。

*圖片皆為設計示意,非實際場景或物品。


小氣分分 |標準字及主視覺設計 – 失重計劃

感謝「牧羊人科技藝術」委託製作

做字之前,我通常會想像一個畫面,並非字體本身。

小氣分分

標準字及主視覺設計 – 失重計劃

文:小氣分分

暴力美學的文字影像化

業主是一位新媒體藝術家,從2020年開始發展「失重計劃」這項創作,至今已經來到第三個階段,並且還會持續發展。

因此業主希望能為「失重計劃」設計標準字。作品透過在劇場「爆擊」液晶螢幕,抵抗資訊爆炸的數位時代,引導觀眾反思人類因科技而失衡的價值觀。

業主提出了幾個關鍵字,包括「細」、「碎裂」、「玻璃裂紋」等。做字之前,我通常會想像一個畫面,並非字體本身,而是字體在什麼樣的環境裡。很直覺的,我想到如果這些字是鑿在冰塊上呢?結晶的冰層有銳利的邊緣、應力產生的碎裂,以及光線折射的透明感。

將平面字體「空間化」,是這次標準字設計的目標。除了可辨、可視以外,技術上的處理也能夠輕鬆與其他介面銜接,例如文書製作、影像後製等。

先有了標準字定調,後續的主視覺設計在對稱與對比之中取巧,讓畫面產生漂浮感,呼應失重的直觀想像。而這安安靜靜的畫面,實際上是暴擊感官的序曲。

*圖片皆為設計示意,非實際場景或物品。


2023.11.25 表演藝術網絡在台中

主辦單位

協辦單位

「APP Camp—2023泰國工作營分享會 X PANDA藝起吧」

非常難得的機會,在中部有專屬表演藝術專業人士的聚會。

An extraordinary gathering for performing arts professionals took place in central Taiwan.

11月25日共有3場不同面向的活動—

On November 25th, the gathering was organized in three different aspects:

☆上午迎接10多位朋友,來到台中舊城區參加導覽,在一座城市裡,過去與現在同時存在。透過曾在街頭流浪的「隱者」看見台中城-隱者地圖 的親身經歷的導覽視角,讓我們體會新環境裡的舊,以及舊事物裡的新,也希望經由參與,為隱者們帶來一些溫暖。

☆ In the morning, more than ten participants gathered in Taichung’s old city area for a guided tour. In a city where the past and present coexist, the tour provided a perspective from the firsthand experiences of the “Hidden”, the individuals who once living on the streets. This allowed the participants to perceive the old within the new and the new within the old. Through participation, we hoped to bring warmth to these “Hidden” individuals.

☆而臺灣表演藝術製作人角色,自2013年開啟了Asian Producers’ Platform CAMP交流後,才有了更清晰的定位與討論,由韓、日、臺、澳等四個地區發起,每年在不同城市舉辦工作坊,交換知識與經驗。

☆ Since the launch of the Asian Producers’ Platform CAMP in 2013 (from the premeeting period), the discussion of the role of a Taiwanese performing arts producer has emerged and has a clearer positioning. Initiated by four countries, including Korea, Japan, Taiwan, and Australia, the camp is organized annually in different cities and countries for knowledge and experience exchange.

昨天下午,我們將國際網絡帶到台中。APP CAMP亞洲人製作平台 – 臺灣小組分享會,邀請了6位臺灣製作人 ( 陳汗青、藍貝芝、羅尹如、陳柏潔、黃雯、高翊愷 ),分享自2014年以來亞洲各國的藝文環境趨勢,並提出對環境的反思與倡議。這是APP CAMP首次離開首都區來到臺中進行分享,實踐「去中心化」的國際趨勢。

Yesterday afternoon, we brought the international network to Taichung. The APP CAMP – Taiwan team hosted a sharing session involving six Taiwanese producers. They shared trends in the arts and cultural environments across various Asian countries since 2014, offering reflections and proposals for arts developments. This marked the first time the APP CAMP departed from the capital to conduct such a sharing session in Taichung, embodying the practice of “decentralization.”

相信這場充滿知識含金量的分享,開拓了在場夥伴的視野,不論是創作者、製作人或機構營運者,對應自身的領域,都產生了新的關鍵字。

We believe this professional knowledge, information and practice sharing session broadened the perspectives of attendees, whether creators, producers, or institution operators, generating new keywords for their work.

☆而第3場活動 – PANDA藝起吧,迎來今日的彩蛋 – APP CAMP的發起人,同時也是現任首爾表演藝術節藝術總監(SPAF) Kyu Choi來到現場,讓今日的連結更加完整。

☆ The third activity- PANDA BAR (Performing Arts Network Development Association) which co-organized with Ars Association, welcomed a surprise guest today: Mr. Kyu Choi, the initiator of APP CAMP and current Artistic Director of the Seoul Performing Arts Festival (SPAF), ensuring a complete connection for today’s event.

完全由民間發起、自辦的PANDA藝起吧交流活動現場,聚集了40位製作人、獨立創作者、創作團隊、舞者、北部及中部場館、南部政府機構以及非營利組織。我們也邀請4組中部表演藝術團隊分享他們的藝術及創作理念,包括 日日製作 Daily Production純白舍Dance Lab唯,劇場 V.TheatreGroup藝術報國 Ars Association。走入民間,中部還有更多努力不懈的創作者,值得大家關注。

The PANDA BAR, gathered 40 producers, independent creators, creative teams, venues from the north and central regions, government agencies from the south, and non-profit organizations. We invited four central Taiwan performing arts teams to share their artistic and creative concepts, including the 日日製作 Daily Production純白舍Dance Lab唯,劇場 V.TheatreGroup and 藝術報國 Ars Association. Stepping into the grassroots environment, there are more dedicated creators in central Taiwan worthy of attention.

我們非常開心能在這樣充滿動能的場合裡,與大家更新現況,互相串連。

We are thrilled to update and connect with everyone in such a dynamic setting.

中華民國表演藝術網絡發展協會(PANDA, Performing Arts Network Development Association) 的發起,即是為了在藝文領域中的藝術行政、製作人能夠有交換經驗的空間,不定期聚會。這次首次來到臺中,場面十分熱絡。除了歡迎更多專業人士加入PANDA,也歡迎其他城市的召喚。

Performing Arts Network Development Association (PANDA) aims to provide a platform for exchange of experiences among arts administrators and producers in the arts and cultural field, holding irregular gatherings. This first visit to Taichung witnessed an enthusiastic atmosphere. Besides welcoming more professionals to join PANDA, it also welcome invitations from other cities.

也許下一場PANDA藝起吧就在你的城市。

Perhaps the next PANDA BAR will take place in your city.


小氣分分|標準字設計 – 牧羊人科技藝術有限公司

感謝「牧羊人科技藝術有限公司」委託製作

觀察在設計之前,形式在機能之後。

小氣分分

標準字設計 – 牧羊人科技藝術有限公司

文:小氣分分

自由 |指向 |動力

業主是一位近年在科技藝術領域相當活躍的新銳藝術家,擅長各種機械、燈光及動力裝置。由於製作一項裝置,或規劃展覽時,往往需要多種人才集氣完成。因此在創立公司時命名為牧羊人,即以整合能力為其核心價值。

以文字展現藝術家的個性與嚮往,成為本案的主要目標。

在提案過程中,曾討論是否採用較現代感,或較有科技感的線條。但最終選用了手寫字體,並以「牧」字為核心。

原本擔心,是否第一眼無法辨識這是一家科技藝術公司。不過逆向思考,若在一整排科技藝術的識別中,有如此「人」感的圖樣,倒也相當突出了。

而「人」在科技藝術中的角色,也正好是藝術家想要強調的。因此「牧」字的設計,拆分為左右兩邊,右邊隱約藏有人字,而原本應順下的捺,則以短鉤收筆,除了指向性,也強調劍及履及的動力。

綜合「牧」、「牧羊人」與中英文名稱,產出3種 Logotype 組合 ( Icon、中文全銜、中文簡稱 ),輔助品牌在不同場合應用。

*圖片皆為設計示意,非實際場景或物品。


Exploring daily life with Ayla 《Ayla-the First Visit》

This article is provided by an interview for the 2022 Taoyuan Iron Rose Art Festival.

“Until the end of life, they still want to know how much potential this world holds.”

Po-Chieh CHEN

Exploring daily Life with Ayla, Ayla-the First Visit

Author: Ya-Chun,CHANG

The two creators of “Ars Association”, Po-Chieh CHEN and Yu-Fen CHEN, originally worked for many years at the National Taichung Theater. They became acquainted with each other through their work and discovered they shared the same beliefs. They became partners and embarked on the path of creation together, establishing “Ars Association” as not only a performance space and exchange platform, but also a production team with limitless possibilities and without labels. They have gathered a variety of talents, and the name “Ars Association” itself has a dialogic quality that reflects their desire to engage in discussion and dialogue with society through their work.

Po-Chieh CHEN(Left)and Yu-Fen CHEN(Right)Photo by James Lin.

Po-Chieh CHEN has a background as a dancer and choreographer, having danced in a dance company in the United States. In 2004, she decided to return to Taiwan and became an arts administrator. She has worked at various organizations such as the Lan Yang Dance Company, Cloud Gate 2, and the Performing Arts Alliance. She even worked at the Eslite Bookstore to experience different lifestyles. Later, she settled at the National Taichung Theater, where she has explored various aspects of performing arts work from production, environment to official matters.

Yu-Fen CHEN studied and worked in landscape design and related large-scale projects. However, her passion for performing arts and her desire to engage in theater prompted her to enter the National Taichung Theater to gain experience. During her tenure at the National Taichung Theater, she held various positions, including general administration, backstage furniture decoration, indicator installation project., landscape projects, and product design and development. She pieced together a theater map in her mind by approaching and scrutinizing the field from different angles. Driven by curiosity, she unleashed her creative soul without limitations.

Ayla from the Future: You and Me in the Present

During an event, curator Yi-Wei KENG proposed an art promotion project to the Ars Association team. He hoped that they could create a large puppet in an approachable style to promote art to the audience. Additionally, the puppet had to incorporate circus elements such as stilts, which increased the difficulty level of the project.

After accepting the invitation, they began to explore and discuss various aspects of the project: who would create it, why they were creating it, and why they were making a puppet? Ultimately, they wanted the work to have a long lifespan, so that it could continue to evolve and develop over time. After several proposals and rejections, they came up with the idea of a little girl from the future named “Ayla.” Ayla’s mission in the present was to conduct field research for her elementary school graduation project and share her findings with her classmates.

Accompanied by Ayla’s wandering and investigation, perhaps during the process, she can lead everyone to think about some of the issues that people are concerned about in a relaxed way. Although elementary school students come from the future, they are all participating in current events. Maybe those issues no longer exist in her world, but for us, they are still present. Rather than describing her background story, the performance team believes that the most important thing is the “present”. The team also brings up a thought: Why does Ayla care about the past world? Perhaps it is no longer the case in the future world, and maybe the human body no longer exists, leaving only memories. But why do they still want to explore? Because “until the end of life, they still want to know how much potential this world holds.” they say.

Because “until the end of life, they still want to know how much potential this world holds.” they say.

They named the performance “Ayla-the First Visit”, which also means that this is just the first form and there will be more possibilities in the future. At the same time, the team also created a Facebook fan page for Ayla, creating a form of participation. Through simple graphics and text, and the childlike tone and touch, we can see the world that we take for granted in the present.

How would people in the future imagine our current lives when they see the relics of our present? Is our art now a documentary or a creation? The comparison between the present and the future may bring people more associations.

Ayla’s Notebook – Roadside Archeology (Illustrated by Yu-Fen CHEN)

The Secret of Ayla’s Birth

Ayla’s design was created by Yu-Fen CHEN. In a situation where there were no power resources and people had to move by using stilts, what kind of puppet should be made and how big should it be?

The first thing she thought of was the procession of the deity she saw when she was standing on the second-floor balcony as a child. Although the deity’s feet were on the ground, it was still driven solely by the human body. If it could be even taller than the tallest deity in Taiwan, it would be more visually fresh for the audience and have a better chance of achieving ergonomic design.

Therefore, they drew a character image that was about 420 cm tall and brought two sketches to consult with the puppet maker. However, since the puppet maker had limited abilities in terms of volume, they changed their direction to focus on stage production and consulted with friends who had many years of experience. Eventually, they were lucky enough to find a collaboration with ” Curve Art Space Co., Ltd. ” (referred to as “Curve”), and based on this foundation, she proceeded to do the detailed design.

The creation of the sculpture involves the integration of various techniques such as sculpture, mechanical components, and artistic painting. Different professionals work together to bring the design to life, resulting in many conversations during the production process. For example, the original design was based on the skeleton of a divine warrior, and the craftsmen suggested making modifications to refine the body shape. Additionally, they decided to switch from using bamboo weaving to rattan weaving, with weight reduction as a consideration.

Ayla’s eyes are made from a large capsule toy casing that has been modified and installed inside her head. They are controlled by a joystick, allowing her to move her gaze and giving her a more lively appearance through her “window to the soul.” Her mouth was inspired by traditional glove puppetry, while her brown hair, in order to achieve a natural flowing effect, was not fixed in a lightweight shape. Instead, it was added strand by strand, so that when she walks outdoors, she sways with the wind like a real little girl.

The most important aspect of walking for Ayla is the use of stilt-walking, which is painted and suitable for both work and dance performances. Adorable boots are also added to the stilts. At every stage of the production process, the team tries on and makes adjustments to ensure that everything is in place. “The rehearsal locations are also in outdoor parks, adapting to different terrains for practice. It’s like an obstacle course. If we don’t do it this way, we don’t know what might happen. While walking for humans may seem simple, it can be very challenging for Ayla.”

“The rehearsal locations are also in outdoor parks, adapting to different terrains for practice. It’s like an obstacle course. If we don’t do it this way, we don’t know what might happen. While walking for humans may seem simple, it can be very challenging for Ayla.”

Ayla’s head shell is made of carbon fiber, and from the inside, it appears to be a complex intertwining of metal components, resembling a mobile mini theater.

Upper:Ayla’s eyes are made from a large capsule.

Assembling Ayla

Explore with Ayla and escape the mundane.

Both the puppet and the humans are performances equally.

From the very beginning, Po-Chieh CHEN intended for dancers to perform in her work. Throughout the rehearsal process, she also contemplated another aspect of the performance, namely, the relationship between the “puppet” and people. She believes that both the puppet and humans are performers on the stage of life, and “revealing people is becoming increasingly important to me.”

In the performance “Ayla – the First Visit,” which followed, the performers would always be visible and there was choreography involved, with even Ayla trying her hand at dancing. “Our goal is to create a theatrical world within the everyday environment,” said Po-Chieh CHEN. Things that people wouldn’t normally pay attention to in their daily lives are noticed by Ayla, allowing everyone to follow her lead and see the commonplace in a new light.

Ayla’s performance will be accompanied by the dancer’s exposure, display, and wearing, as if it were the formation of a futuristic person’s alter ego. The various lifeless components are given life by the presence of humans, bringing a magical moment in time.

“Our goal is to create a theatrical world within the everyday environment” Things that people wouldn’t normally pay attention to in their daily lives are noticed by Ayla, allowing everyone to follow her lead and see the commonplace in a new light.

At the Taoyuan Iron Rose Art Festival this time, Ayla’s performance will invite the locally well-established ” Ya-Zhi Dance Company ” to participate in the collaboration, combining the background of nearby environmental construction to present a relaxed and playful feeling of exploration.

Before the performance, the front desk already displays the small items collected by Ayla, welcoming the audience to interact and participate in her fieldwork. “Ayla’s traits can accomplish many good things,” said Po-chieh CHEN. In the future, Ayla will continue to adventure and explore, whether it is outdoor and indoor performances, educational promotion, publishing, etc. The audience will join Ayla’s journey in many different places.

Ayla in the alley next to the Taoyuan Barn 169 Theater. Photo by Ren-Lin YANG.

小氣分分|標準字設計 – 聚思製造端

感謝「聚思製造端 Thinkers’ Studio」委託

觀察在設計之前,形式在機能之後。

小氣分分

標準字設計 – 聚思製造端

文:小氣分分

「一思多用,相容相輔。」

業主原名「思劇團 Thinkers’ Studio」,歷經10年累積後,決定轉型邁向新的里程,更名為「聚思製造端 Thinkers’ Studio」

原本受眾熟知的「思」字保留到新名稱,是業主重視的核心文字與理念。

因此產生三項設計目標:

  • 將「思」字靈活設計成獨立並且可組合的字樣,成為這項設計的首要課題。
  • 筆劃較多的漢字,如「聚」、「製」、「端」等如何做到精簡現代。
  • 讓觀看者一眼識別,感受到品牌形象。


從業主的營運方向切入,聚思製造端的標準字(Logotype)設計概念,由一座大型工具機開始,在這座工廠裡,有不同崗位的操作員,注入原料(點子),點子經過製程的提煉後,會成為什麼呢? 令人期待。

從設計概念到設計應用,標準字(Logotype)以「思」字串連所有排列,可以拆解、組合,與其他形狀載體、材質有很大的相容性。

字體設計以中宮放鬆、重心低、無襯線的手法操作,並在可識別的範圍內減少筆畫。

綜合以上,產出4種Logotype (Icon、階梯式排列、橫式排列、英文為主),輔助品牌在不同場合應用。

*圖片皆為設計示意,非實際場景或物品。


2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |黃致愷觀點

我發現我在這個實驗中想找到的東西,並不只是在劇場中述說我的故事,而是透過我與觀眾的流動,創造一段旅程讓大家帶回屬於自己的感覺。

贊助單位:國藝會

感謝國家文化藝術基金會支持贊助

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |黃致愷(歐力)觀點

作品名稱:《心的定向訓練》

生活在這個處處都想引人注目的世代,我們的視覺已經進化成了一種非常發達的感官,在大多數的時刻我們都可以用視覺取得自己與外界關係的資訊,並以這些搜集來的多重資訊決定自己是否行動,或行動的方式,在這樣的互動之下,我們形成了一個友善彼此的社會,卻也在爆炸的視覺資訊下,形成了另一部分的焦慮。

這次實驗的最終目的想探索非視覺化的劇場形式,而此次的呈現,提取了創作者在矇眼實驗中的經驗,試圖尋找與創造能夠應用在劇場空間與觀眾之間的體感流動。

實驗動機與自述:

視覺在劇場中一直是一個很重要的元素,也是過往我在創作中非常依賴的元素,雖然現在各個場館和團隊都有口述人員協助視障者參與演出的觀看,也得到很好的回饋,但我也開始好奇,將視覺拿掉後,我們還能在劇場裡、在生活裡感覺到些什麼?我又能不能做出一場演出,是能讓視障者與明眼人是沒有資訊落差(分別)的?

這次來到好青,希望能夠暫時先將視覺的元素拿掉,去試試看如果觀眾在無法以視覺接收資訊的狀況下,我還能夠給觀眾什麼,我該怎麼給?整個探索的過程嘗試了各種呈現方式,同時也在不斷的整理自己為何想將視覺放到作品之外,Jennifer Harding在《性的扮演》中說到:「視覺將我們與真理連結在一起的同時,它也把我們與肉身分離。」,我開始意識到我想與大家一起討論的是一種感覺,而要接近某一種感覺的方式,必須在開啟不同的感官,並且持續的交叉作用之下,我們才有可能接近。

在《心的定向訓練》呈現裡面,我以黃歐力這個人作為解構再重組的對象,我將日常生活中,那些曾經觸動我的感知資訊提取出來,提供一個機會讓大家親自探索與體會, 並帶走屬於每個人自己所認識到的黃歐力。

實驗過程自我觀察:

一、直覺

原先憑著一股為了”我想要創作,感覺需要先實驗些什麼!“的衝勁來到了”好青!“的計畫,在過程中不斷的在釐清自己想做些什麼,在第一次與顧問見面時說要以自己的方式來自我介紹時,確實對自己要做的實驗如何被呈現滿不清晰的,於是就很直覺地以自己的方式去尋找媒介來介紹自己,這個直覺讓我開始了實驗的第一步,我選擇了先將眼睛閉上的前提來開啟尋找途徑,先是從一些自己在生活中的閉眼時刻開始,我回放了以前在生活中的錄音,發現自己透過這樣的聲音回到了當時的現場,於是我直覺的選擇了坐火車時的錄音檔,想像大家都在這輛列車上,將大家擺放在空間之中,透過自己的身體姿態、與他人之間的關係,讓大家以聽覺和改變身體姿態、空間關係的形式重回現場。

二、嘗試

有了先前的直覺,後續開始以這樣的途徑繼續往下探索,在有了第一次的呈現和顧問與夥伴們的回饋後,我意識到當在場上我只有一個表演者要面對多個觀眾的時候,我所提供的體感並非所有的人都能夠被照顧到,大多數的時間大家是在等待的,於是我開始嘗試尋找能夠包覆到觀眾感官的媒介,試圖擴散我所想提供的感官訊息。

在第二次的呈現中我使用了現場的聲音,進行錄音與重複播放,讓現場所接受到的聲音資訊能夠延續,在此同時重合味覺資訊,透過現場烹煮食物所釋放的氣味,試圖讓兩種資訊所帶來感受有更加立體、不同單一資訊所產生的想像,也透過養生膠帶去延伸我所能提供的觸覺資訊,在不同的節奏、力度、聲音的大小去改變觸覺對象的性格。

三、重新探索

在第二次的呈現與各種提問和回饋後,讓我開啟了很多的思考,「究竟我是為何好奇非視覺下的身體呢?」,這個問題在腦袋打轉了一週後依然沒有明朗的跡象,於是想起我在提案時最一開始想做的實驗,我將自己的眼睛矇上體驗了八個小時非視覺下的身體,發現在這個過程裡面我更清晰的感知到了好多關於自己的事情,我不只是在敏感的接收外界的資訊,更是在處理屬於我自己所感知到的資訊,透過這樣的實驗與練習,我更能夠給自己安定感,去以誠實的自己的身份與外界接觸。

在第三次的呈現中,我選擇了在蒙眼實驗中所觸動我的聲音,作為與觀眾之間能夠流動的媒介,並很直接地將這樣的自我發現歷程呈現出來,從對外界資訊的好奇,再到資訊爆照的焦慮與不安,再到清晰地看見自己的焦慮和不安,再到決定如何好好照顧自己。

四、重整

結束了第三次的呈現後,我又再次的陷入了「我為何想將視覺抽離?」的思考,我開始回看這一路實驗以來我一直都沒有捨棄的關鍵字,「非視覺下的身體」、「感知的流動」、「屬於自己的想像」。透過這個回看,我發現我在這個實驗中想找到的東西,並不只是在劇場中述說我的故事,而是透過我與觀眾的流動,創造一段旅程讓大家帶回屬於自己的感覺,雖然在物件的選擇中,我依然選擇了那些曾經觸動我的聲音、氣味…的感官資訊,將它作為一個帶領的媒介,不過也刻意地將我自己的表達降到最低,讓這些資訊都是中性的、誠實的、不加以詮釋的,我認為這樣才能夠開啟屬於觀眾自身的想樣,而非單純地攀附著我所設計的情緒線條閱讀。

在最終的呈現中,雖然回到了當時初始的形式,不過我也更不畏懼去讓觀眾感受到等待、不安或是無聊,因為無論是何種感受,都是觀眾在我們共同存在的這個時刻下所帶來的,而那也會是讓觀眾認識最真實的我的途徑。

結語:

在好青!這次的計畫中,我透過了各種的方式在探索自己,無論是創作上的或是人生上的,我認為這對創作者來說是非常珍貴的經歷,透過自我探索、與他人交流,這樣的方式讓我越加清晰我所好奇的、想嘗試的,看見更多的可能性之外,也在每一次呈現的不斷改變之下,意識到自己想要發展的面相,這次的階段呈現雖然還是以一種劇場形式進行,不過也在這次的呈現與各位前輩的交流後,覺得這次的實驗能夠再延伸出其他的形式,或許會是有裝置的展覽,或是一場工作訪,讓大家能夠以自主體驗的方式帶走自己所感受的,更重要的是對這樣的每一種感受進行討論,就如同這次在好青的經驗,透過交流,開啟一個「陰性的空間」讓彼此可以被安全的容納進去,也可以更清楚地知道自己的聲音是有被聆聽的或共感的可能。感謝好青!願意在探索階段陪伴著創作者,共同交流與激發,對我來說是極其重要與需要被支持的,感謝此段美好的經歷。

進駐創作者 / 黃致愷 OZ HUANG

自由藝術工作者/創作者/表演者

2019年畢業於國立臺灣藝術大學舞蹈學系。

曾與Dafi Altabeb、Igal Perry 、郭文泰、姚淑芬、董怡芬、燕樹豪、陳芝藟、王玟甯、林頎姍…等藝術家工作。並參與《棲逃囝仔》、《河床劇團》、《世紀當代舞團》、《安娜琪舞蹈劇場》、《饕餮劇集》等團隊演出。

2018年獲得菁霖文化藝術基金會獎學金,赴美參加《美國舞蹈藝術節American Dance Festival 》,並在當地發表作品《When Child Was a Child》、《When The Clouds Rise》。

創作作品以舞蹈語言作為創作根基,嘗試融合戲劇表演、行為藝術,將創作之展演方式更多元化。

曾以沉浸式劇場、參與式劇場、環境劇場、舞蹈劇場….等形式創作出風格各異的作品。

2020年以《棲逃囝仔》之名與各領域之藝術家合作創作,探索臺灣在地文化,並以此為創作底蘊將作品發散、刻畫身體符號,探問臺灣社會之於臺灣人的情感連結。

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐

計畫主持人 Curator |陳柏潔 CHEN Po-chieh
創作顧問 Advisor|周曼農 CHOU Man-nung、董怡芬 TUNG I-fen 製作人 Producer|陳鈺分 CHEN Yu-fen
進駐創作者 Resident Artists|黃致愷 OZ HUANG 、廖思瑋 LIAO Szu-wei、戴孜嬣 TAI Zih-ning
影像記錄 Video Documentary|伏地影像 The Land Films Studio
平面攝影 Photography|陳婉寧 Chen Wan-ning
主視覺設計 Graphic Design|曾子倢 TSENG Tzu-Chieh
主辦單位 Organizer|藝術報國 Ars Association
贊助單位 Sponsor|國家文化藝術基金會 National Culture and Arts Foundation

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |廖思瑋觀點

其實還有許多根本上的問題,等著我去面對和思考甚至是挖掘,但我似乎都有意或無意地將它忽略了,以致於尚未解決前我便不能往前,也因此無法得出答案,但會不會答案就是不斷地追尋呢也不得而知,至少此刻已邁出了第一步。

贊助單位:國藝會

感謝國家文化藝術基金會支持贊助

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |廖思瑋觀點

作品名稱:《我思瑋,故我在》

是「思瑋」不是「思維」,沒有在彰化成立舞團,也沒有在雲門跳舞。為什麼是「思瑋」?「思瑋」在你腦海中的印象是什麼?失去了「思瑋」有什麼差別?有人也有使用「思瑋」,那會是一樣的嗎?有一定得要「思瑋」嗎?如果不要「思瑋」,那會需要什麼?

在成長的不同階段中,總會有人說我相似於某人,這使我產生了強烈的排斥感,在建立自我認同的 過程中,倚靠著否定他人來肯定自我的存在。實屬無奈,卻也是一路以來的方式,但如果沒有比較 值,那我的存在該如何建立?於是本次研究過程回顧成長經歷,並以自身感官探索,尋找與社會、 世界之連結。

自我觀察:

大學畢業後應屆考上研究所,因此在創作的歷程中,有如花朵持續地受到溫室的保護。而在進入到研究所後,接觸了行為及觀念藝術,使我見識到了身體作為媒介與舞蹈完全不同的生命力,也使我不滿足此時的創作,並思考同樣都是以身體作為創作的手段,那他的可能性會是什麼?

一開始投件的計畫「生命裡的無能為力」到「行為脫口秀」到最後呈現關於自我存在的質疑,依稀有個脈絡可循,勢必得面對如今最困擾我的問題,即是創作對我而言有其必要嗎?

我想要創作嗎?我需要創作嗎?宛如在人生的十字路口,雖然迷惘、徬徨,也不清楚前方的道路,但眼下至少有意識到自己正準備去尋找答案,而不是單純站在原地躊躇不前。

雖說最後的終點是呈現當天,不過顧問與來賓們,抱持各自對於創作、藝術的看法和態度交流時,更像是下個創作旅途的起點。回到原點,是我這次進駐的過程中屢次出現的一個聲音。在創作上隨著一個問題產生另一個問題,而這些問題宛如一把鑽頭,不停的向內心挖掘,只為了探索至最深層,無形之中這些問題都回溯到諸如此類的大哉問,舞蹈是什麼?身體是什麼?表演是什麼?想要向觀眾傳遞什麼?

如果不跳舞那可以是什麼,以觀念、行為先行的目的是什麼(試圖找到另外一種身體的展現形式),無數的問題困擾著我,作為一名研究者,舉手投足間總會不禁提出問題,此刻的生命中,廖思瑋作為國立臺北藝術大學的研究生,我活著的價值又是什麼,似乎將自己想像的過於偉大,綜觀浩瀚的宇宙中人類根本不足掛齒,但如果說我的創作只是單純想分享我對於這個世界的看法,那好像透過此次的進駐計劃有了起點。

此次的進駐計劃就是一段自我對話的旅程,尋找作為一名創作者、舞者、表演者的定位。如同在演後交流中所提到的比喻「如今對於創作像是越級打怪,在進入舞蹈系受專業訓練後,舞蹈在自然而然中成為了創作的形式,但我是否需要以舞蹈作為我創作的手段,再延伸至創作還使用何種媒材,於是回過頭來思考,先前其實還有許多根本上的問題,等著我去面對和思考甚至是挖掘,但我似乎都有意或無意地將它忽略了,以致於尚未解決前我便不能往前,也因此無法得出答案,但會不會答案就是不斷地追尋呢也不得而知,至少此刻已邁出了第一步。」

雖然在進駐的過程中有許多不同的事情同時進行,如演出、工作以及每週台北到台中的通勤,但每每在夜深人靜時,總會思考到創作以及自身的定位。作為創作者,創作上想與社會產生更多的對話,而自身的舞蹈在現階段中是否徒有形式?不單只是能夠把舞編得漂亮、畫面排的好看,更多的是想要傳遞給觀眾什麼訊息,而訊息的傳遞介面,該如何去發展、整理、甚至是包裝,都是現階段創作所在思考的課題。作為表演者、舞者,累積了將近六年的表演經驗及身體訓練,對於舞台還是有著強烈的渴望,所以撇除創作,表演、展現也是現階段我另一個需要磨練的課題,似乎在自己為創作者亦是表演者的過程當中,很難跳脫出來,經常會陷於一種漩渦,讓作品會不自覺的導向同樣的地方,也讓我發覺在作品發想初期時,具有良好的創作陪伴或是戲劇、舞蹈構作,也是我往後可以繼續實踐的一部分。

在創作中時常會有撞牆期,很感謝顧問們在呈現後的提問與分析,讓我放射性的實驗元素,有能夠收束的空間及重點。而在這次呈現中身體作為我創作上主要使用的媒介,與之前的不同之處在於,研究所時期至今,從表演、舞蹈,回到更根本上的肉體,而存在本身作為命題,又該如何聚焦問題,叩問觀眾及自己這件事有何意義,為此刻我所關注的創作面向。

雖然這次的呈現透過手機,呈現虛擬分身與肉身的關係,展開了一系列的對話,運用了過去自己的影像與現場的自己對話,讓在探索自我的過程當中,成為一個能夠持續發展的段落,但似乎還沒請楚地抓到兩者之間的關係,也因此無法從中找到與觀眾溝通的橋樑。不過短時間內會將這次的呈現好好的記錄下來,等到哪一天的歷練有著足夠的成熟度時,再將它重新拿出來審視,畢竟與自我的對話是一輩子的事情,在創作中或表演上,免不了會想要更有效率的成名或被看見,但是此刻我認為的創作,不再只是為了創作而創作。

謝謝好青計劃讓我有這個機會,能夠重新與自己對話,不管是不是創作者,與自己對話都是每個人必經的過程,而活著的目的是要在這個世界上累積經驗值的話(藉由體驗不同的生活累積經驗),那我似乎還必須要去世界走一走,去尋找創作對我來說的意義,那可能短時間內暫時先去溜滑板,再來思考下一步要去哪裡,謝謝。

進駐創作者 / 廖思瑋 Szu-Wei LIAO

編舞者/舞者 Choreographer, Dancer

臺中豐原人,最近在溜滑板,

現就讀國立臺北藝術大學舞蹈研究所,主修創作。

大學才開始受專業舞蹈訓練,自2018年創作及表演至今。求學過程深受戲劇、電影、街舞、嘻哈文化薰陶,近期受行為、視覺、偶發藝術啟發,創作多關注於行為及跨域的媒合。

自身作品曾發表於西班牙 Masdanza國際舞蹈節、臺北藝穗節、艋舺國際舞蹈節、臺中國家歌劇院、漂鳥舞蹈平台,以及舞耀大地舞蹈創作比賽。

近年來,隨著張艾嘉女士所創辦的果實藝術創作營,遠赴台東、香港。針對高中生積極推廣藝術,並擔任導師引導學員創作。現為獨立藝術工作者,持續的透過創作、表演向生命提出疑問。

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐

計畫主持人 Curator |陳柏潔 CHEN Po-chieh
創作顧問 Advisor|周曼農 CHOU Man-nung、董怡芬 TUNG I-fen 製作人 Producer|陳鈺分 CHEN Yu-fen
進駐創作者 Resident Artists|黃致愷 OZ HUANG 、廖思瑋 LIAO Szu-wei、戴孜嬣 TAI Zih-ning
影像記錄 Video Documentary|伏地影像 The Land Films Studio
平面攝影 Photography|陳婉寧 Chen Wan-ning
主視覺設計 Graphic Design|曾子倢 TSENG Tzu-Chieh
主辦單位 Organizer|藝術報國 Ars Association
贊助單位 Sponsor|國家文化藝術基金會 National Culture and Arts Foundation

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |戴孜嬣觀點

將“向外所求”的肢體尋找,轉變為向內所求,挖掘古典音樂演奏的自身身體經驗,在每一次的排練中不斷萃取事件的本質,不斷拆解過程中的過程。

贊助單位:國藝會

感謝國家文化藝術基金會支持贊助

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐 |戴孜嬣觀點

作品名稱:search、touch、enrich

戴孜嬣,以感知的實驗音樂即興及縝密結構的新音樂劇場作曲,彈性在兩種狀態平衡自我。著迷開放性藉即興與機遇手法更純粹對話。

透過這次的創研計劃,跳脫過往以音樂的角度,聲響為主導去思索他人肢體,在計畫過程中挖掘古典音樂演奏的自身身體經驗,藉由操作物件感受肌肉的姿勢及運動,重新梳理個人在“聲響肢體化”及“肢體音樂性”創作下的觀點。探索聲音、音樂家肢體、混合多種音樂生涯歷史、質地、圖譜,系統化的編排發展。

自我觀察心得

一、成果呈現內容

  • 研究:聲響肢體化、肢體音樂性、音樂家肢體、質地/材質、形塑聲響視覺化空間
  • 《Search、Touch、Enrich》研究計畫呈現內容

此次創研計劃呈現拆解自身作為演奏之身體經驗藉由操作物件感受肌肉的接觸張力及運動,拆解、重新梳理個人在“聲響肢體化”及“肢體音樂性”創作下的觀點。

呈現內容中將研究去蕪存菁至“拆解的“四項實驗過程,拆解成元素,透過動機與實驗打開過程與指令,使其對照循序漸進試圖讓“拆解實驗的企圖”被看見。

  •  四項元素

 A.肌肉、音色產生動態的形塑

          B.演奏時的動態與角度、形塑聲響視覺化空間

          C.運用操作樂器的方法操作物件

          D.演奏家的身體:操作裝置樂器時的身體、改變身體使用方式的演奏

二、是否達到預期成果

         此次計劃初期是依循新音樂劇場的音樂脈絡,想整理/歸納分析音樂視覺化中的聲響及肢體之間的關係,希望透過計畫能脈絡化兩者的工作方法。但在音樂的思考中,“肢體”是相較模糊定義的符號,肢體/身體/動作/姿態/肌肉之間又該如何定義?透過這次的創研計劃,跳脫過往以音樂的角度,聲響為主導去思索他人肢體。意外性的將“向外所求”的肢體尋找,轉變為向內所求,挖掘古典音樂演奏的自身身體經驗,在每一次的排練中不斷萃取事件的本質,不斷拆解過程中的過程。因有此次寶貴的經驗,能夠展現過程是該如何被實驗與轉變,解構並產生新的一套具代表個人的觀點及創作/工作方法論,未來將持續Search、Touch、Enrich。

三、檢討與回饋

  • 創作面向:從這次創研計劃中,更明確奠定創作方向,肢體與音樂關係,從原先向外所求提及大範圍的議題,轉變為向內所求,挖掘古典音樂演奏的自身身體經驗,解構為“身體/肌肉/運動,累積自我實踐方法論。感謝貴計畫寶貴且真摯的呈現回饋,更聚焦問題意識及優化創作細節。得到多重方向的思考面向。
  • 夥伴:

特別感謝這次好青藝術創造計畫的計畫顧問及進駐夥伴,在每一次排練小呈現的見面中,透過作品認識彼此、交流。顧問給予許多經驗上的提點;從介紹自我方法中拆解個人,到尋找到自我生成出來的問題意識;提點創作方法的細節及方向的建議。顧問的不同背景:舞蹈、戲劇、製作/行政,皆補足我較為不熟悉的面向,並更深入提供跨領域間相交的廣度。

  • 場地:

在進駐排練的安排,進駐者可登記排練時段,自由的租借藝術報國所提供的場地。對於這個寶貴的資源提供我極大的幫助,在排練場時更能夠清晰專注的思考與大面積的嘗試各種實驗,在每一次的排練時光都帶著一份愉悅舒適的心,並有非常大量的產值與進步。

  • 講座/工作坊:

這次的創研計劃,好青也提供基地學講座及《創作者自述工作坊》。工作坊透過三本選書,大量閱讀不同觀點,更認識各種劇場的展演手法、發展脈絡與狀態。從這些選書中透過他人的操作更直接的理解自我的問題意識、透過隔週的報告描述他人的作品時練習如何闡述一件作品的脈絡、也透過作者問題意識的表現形式手法練習如何描寫歸納自己的創作法則。

我在參加工作坊以前是一位非常害怕拿麥克風說話的人,透過一次次的梳理,能夠更清楚的找到闡述的方法,現在透過口述發表自我觀點意識還是會感到緊張,但已經能夠比過往更進步的收束並在短時間內整理描述腦中原本發散的想法,這是參加這幾次工作坊後最大的進展。

  • 交流:

除了創作、及工作坊外,藝術報國夥伴也提供此次《好青藝術創造計畫》與《阮劇團-DQ創作計畫》、《思劇團-微型創作陪伴計畫》三個民間單位孵育計畫的交流會,讓單位及創作者都各自介紹與交流切磋,認識更多的創作者及不同機構組織,能夠看見不同面向計畫的進程是很寶貴的經驗。

  • 參訪:

後續更參訪「台中鐵道文化園區」、「留白計畫」兩個民間經營的藝文單位,從地方營運者的觀點更理解該如何匯集整合力量,從地方歷史與文化推動藝術脈絡。或是從商業為輔的狀態共存的藝術,該如何透過商業思維模式打開更多讓民眾接近藝術的可能性。

也與藝術報國夥伴共談參訪鹿港在地藝術節 2022 今秋藝術節《洛津那夢》,從地方核心廟宇長出的文化氣質又該如何與居民竄起連結?無論是從廟宇意象發展出的視覺設計至以地方特色編創出朗朗上口的主題曲,從藝術節中看見更多藝術如何由地方生根長出,呈現它獨特的樣貌與風情。

此次的創造計畫進駐,豐富了2022年的下半年,也從這次計畫中蛻變到另一個創作層級,並找到自我實踐的方法論及問題意識。在藝術報國夥伴安排的空間、人、資源下,接觸到更多不同面向的觀點與思考無限制的可能性。非常期待下一次再一起碰撞的火花。

進駐創作者 / 戴孜嬣 Zih-Ning TAI

實驗音樂即興演奏 / 新音樂劇場創作

在創作裡力求尋找更多聲音的可能性,以敏銳感知出的實驗音樂即興、及以縝密結構的新 音樂劇場作曲,彈性在兩種完全不同心裡狀態的創作模式中平衡自我。著迷於音樂中的開 放性,藉由即興演奏與開放性的機遇創作手法,更純粹的與空間、環境、人對話,喚醒聽者心中某些生命片刻,藉由創作凝聚觀者產生新的群體性。

2022 好青!藝術創造計畫 – 創作進駐

計畫主持人 Curator |陳柏潔 CHEN Po-chieh
創作顧問 Advisor|周曼農 CHOU Man-nung、董怡芬 TUNG I-fen 製作人 Producer|陳鈺分 CHEN Yu-fen
進駐創作者 Resident Artists|黃致愷 OZ HUANG 、廖思瑋 LIAO Szu-wei、戴孜嬣 TAI Zih-ning
影像記錄 Video Documentary|伏地影像 The Land Films Studio
平面攝影 Photography|陳婉寧 Chen Wan-ning
主視覺設計 Graphic Design|曾子倢 TSENG Tzu-Chieh
主辦單位 Organizer|藝術報國 Ars Association
贊助單位 Sponsor|國家文化藝術基金會 National Culture and Arts Foundation